Camino de Santiago

Hemos recorrido una etapa del Camino de Santiago, unos 13 kilómetros, desde Logroño hasta Navarrete. Los alumnos de 2º de la ESO han respondido caminando como verdaderos peregrinos, sin quejas a pesar de que el calor era aplastante.

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Puerta de la Iglesia de Santiago

Alfonso nos ha explicado cómo los peregrinos en la Edad Media entraban por el puente de piedra ( en el siglo XIX el actual sustituyó al medieval  pero está situado en el mismo emplazamiento). Justo al cruzar el puente había un castillo para defender la ciudad que hoy no existe (solo las ruinas bajo la actual rotonda).

Después hemos avanzado por la Rúa Vieja deteniéndonos en la iglesia de Palacio y en la de Santiago.

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En la calle Rúa Vieja

Luego hemos continuado camino saliendo del Logroño medieval por la Puerta del Revellín. Tomamos la calle Murrieta hasta el final pasando por el Parque de San Miguel y nos encaminamos ya por una vía que circula por el área periurbana hacia el parque de la Grajera y su pantano (construido en el siglo XIX para embalsar agua del río  Iregua). Allí hemos tomado el almuerzo y hemos descansado media hora.

Menos mal que a lo largo del camino hay numerosas fuentes y podíamos beber y refrescarnos ya que la temperatura era muy alta.

Tras subir la única pendiente hasta un alto, enseguida hemos divisado nuestro destino: Navarrete. Navarrete es un pueblo con tradición alfarera y una bonita iglesia renacentista y excelente retablo. No lo hemos visitado y nos hemos centrado en las ruinas del Hospital de San Juan de Acre.

El Hospital de San Juan de Acre fue un hospedería medieval de peregrinos ubicada en el municipio de Navarrete. Fundado en el año 1185 fue hospedería para la recepción de peregrinos en el camino hacia Santiago de Compostela.

La denominación del hospital proviene por la defensa de las murallas de Acre (Israel) que realizaron los caballeros de la orden de Malta en la denominada caída de Acre.

Tras el derribo de su estructuras en el siglo XIX dejando el hospital como una ruina, su portada, de estilo románico, se conservó, instalándola como acceso principal del cementerio del municipio. En 1990 se iniciaron las excavaciones arqueológicas en el lugar y se encontraron los muros principales del antiguo hospital. Uno de los hallazgos arqueológicos fue la existencia de cuatro enterramientos. A comienzos del siglo XXI ya sólo existen los restos de la portada en el cementerio municipal, y los restos de la planta de la antigua iglesia, ubicados al otro extremo del pueblo.

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En la puerta del cementerio de Navarrete donde se aprecia la portada románica que lucía en el antiguo hospital de peregrinos

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Capiteles románicos de la portada

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Joan Miró en la colección Würth

Avanzamos por la carretera hacia El Sequero sabiendo que nos esperan unas horas de contemplación y descubrimiento de una parte de la obra del pintor Joan Miró. Para nosotros es fin curso del club de lectura y lo rematamos con la visita a un museo.

El sol cae a plomo en una tarde de las primeras calurosas de verano; bueno, quizá no haga tanto calor pero nos pilla desprevenidos y con la piel blanca e indefensa. El olor es a carretera, a camión, a seco y a polígono industrial en el curso medio del Ebro.

Para Logroño es una fortuna contar con un museo de arte contemporáneo como el Museo Würth.  Gracias a una conjunción de circunstancias ya son nueve los años que han pasado desde que el museo abrió sus puertas.

Desde la década de los 60, Reinhold Würth comenzó la creación de una colección privada de Arte Contemporáneo que hoy en día está considerada como una de las más importantes de Europa, y que constituye una de las facetas de desarrollo interno de la empresa. El Museo Würth La Rioja es el único espacio expositivo que la empresa tiene en España y no sólo constituye un marco donde mostrar los fondos de la Colección Würth, sino que es un espacio abierto en el que tienen cabida mucho más que las artes plásticas.

Joan Miro

Pero centrándonos en las obras presentadas, la exposición la introduce un dibujo de 1937 que Miró realizó en su exilio parisino cuando acudía a clases de desnudo a la Académie de la Grande Chaumière, un dibujo a lápiz  de un desnudo de mujer grotesco y deforme, casi monstruoso, como una rebelión personal ante la violencia de los tiempos; podemos ver también obra gráfica (litografías, aguatintas y aguafuertes) de entre los años ‘50 y ‘80, a la que se suman varias pinturas a gouache y óleo, carteles, una escultura en bronce, y obras realizadas para  libros, una de las facetas más fascinantes de su producción artística.

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Lisístrata en Clunia

El jueves acompañé a mis alumnos al teatro: fue una jornada larga pues la obra, Lisístrata de Aristófanes se representaba a bastantes kilómetros, en Colonia Clunia Sulpicia.

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Teatro romano de Clunia

Clunia fue una ciudad romana, construida entera de nueva planta, cerca de una anterior enclave arévaco. Por la mañana visitamos las ruinas.

El emperador Tiberio le otorgó la categoría de municipium y la ubicó en un nuevo sitio, la cima de un pequeño cerro llamado el “Alto de Castro”. Luego, en época de Claudio pasó a ser capital de un convento jurídico que incluía una amplia zona del centro norte peninsular. Según nos contó la guía, tal vez la ciudad no tuvo tanta importancia como la que se pretendía con su fundación ya que la población prefería desplazarse a Cesaraugusta para solucionar sus asuntos y pleitos. Pero en cualquier caso era una ciudad grande con una extensión de unas 120 hectáreas y casi toda ella sin sacar a la luz ya que está bajo tierra esperando que las excavaciones descubran todas las incógnitas de sus ruinas ocultas.

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El hecho histórico más relevante de esta ciudad fue el protagonizado por Galba. En el año 68, este, era el gobernador de Hispania y enemigo de Nerón, el por entonces emperador. Se produjeron numerosas revueltas en todo el imperio y Galba se refugió en Clunia, donde recibió el anuncio de la muerte de Nerón y su proclamación por el senado como nuevo emperador. La ciudad que le dio cobijo fue entonces nombrada “Colonia Clunia Sulpicia”.

De Hispania surgirá el señor y dueño del mundo. Esa fue la respuesta del oráculo consultado por Servio Sulpicio Galba en la ciudad de Clunia antes de partir hacia Roma en el año 68. Galba consiguió la dignidad imperial pero pronto fue asesinado. Tiempo después Hispania será el lugar de nacimiento de dos emperadores: Trajano (98-117) y Adriano (117-138)

Como ciudad romana de nueva planta tiene todas las características y elementos habituales, como es lógico adaptándose a la orografía del terreno, llegándonos en un estado aceptable. Destacamos el teatro -uno de los más grandes de Hispania  -, las viviendas, el foro, y por supuesto las termas.

Fuimos a comer a Peñaranda de Duero, un hermoso pueblo con castillo medieval, palacio renacentista, una de las boticas más antiguas de España, y muchos más encantos que merecen una segunda visita en breve. Y por la tarde a ver Lisístrata. Asistimos a una representación a cargo del grupo Los Mirmidones de Cuéllar y disfrutamos de la interpretación.

Por la mañana la guía nos había dicho que aprovechásemos para acomodarnos en la parte más baja de la cavea, cerca de la orchestra, en la ima cavea, ya que allí la acústica era mejor y sobre todo porque ahora podíamos y en la época no lo hubiéramos podido hacer. Y es que el espacio del teatro estaba regulado desde Augusto por la Lex Iulia Theatralis donde se discriminaba por clases sociales. Cada clase social romana tenía su sitio específico en el teatro: la proedria para los senadores, la ima cavea para los caballeros, la media cavea para la plebe libre, la summa cavea para los libertos y esclavos y  las mujeres. Así que disfrutamos del teatro como si fuésemos  magistrados o un miembros del senado de la ciudad. El próximo año habrá que repetir.

diferencias entre el teatro griego y romano

Diferencias entre el teatro griego y el teatro romano

 

Los fusilamientos del tres de mayo

1.-Identificación de la obra:

  • Identificación de la obra. Dimensiones. Localización. Lugar de conservación. La pintura Los fusilamientos del tres de mayo se encuentra en el museo del Prado y es un óleo sobre lienzo. Sus medidas son 268 cm. por 347 cm.
  •  Autor: Francisco de Goya
  • Cronología. 1814
  • Modalidad pictórica: Óleo sobre lienzo.
  • Género: Pintura figurativa: Pintura histórica.
  • Tema:  Representa  un hecho histórico real: el fusilamiento de civiles madrileños como castigo por su rebelión contra los franceses, rebelión que dará lugar a la Guerra de la Independencia (1808-1914)

2.-Análisis de los elementos formales:

  • Técnica utilizada: La pintura está realizada sobre un lienzo utilizando la técnica del óleo.
  • La composición: Es la forma de ordenar las figuras en el plano.  La composición está dominada por dos grandes diagonales que confluyen en el farol colocado en el suelo: la diagonal de la montaña y la del pelotón de fusilamiento. Son  dos partes fundamentales; la primera, a la izquierda, la compone un grupo de civiles, unos doce, en distintas posturas; uno se tapa la cara, otros ya muertos yacen en el suelo, otro aparece rezando, otro con los brazos abiertos… La parte de la  derecha la conforman un grupo de seis soldados que apuntan con sus fusiles al grupo de civiles que tienen delante. Cada grupo está descrito de una forma bien diferente. Los soldados franceses, cuya formación se presenta en diagonal, dan la espalda al espectador, de forma que no podemos ver el rostro de los personajes. Por el contrario, el grupo de los españoles se organiza en la diagonal opuesta; sus miembros están de frente al espectador, que puede apreciar distintas actitudes ante la muerte. En el lado del grupo de civiles, se encuentra la montaña del Príncipe Pío. Y al fondo, se aprecia una arquitectura perteneciente a la ciudad de Madrid y la negra noche donde se desarrolla la acción, y que cubre el resto de la composición.
  • El color: Caracterizar la paleta empleada Goya utiliza en este cuadro una paleta principalmente oscura, donde predominan la gama de los negros, color de la muerte por excelencia, con importantes mezclas de colores relacionados con la gama del verde. La otra gran familia cromática la forman los ocres y marrones. Sin olvidar el blanco de la camisa del hombre con los brazos abiertos que supone un gran contraste con el resto de la paleta, en su mayoría oscuros. la pincelada es amplia, larga, con grandes manchas.
  • La luz: no podemos olvidar aquí el peso de la escuela tenebrista, que sin duda debió influir en Goya. En todo el cuadro son bien perceptibles los contrastes entre luces y sombras. La escena transcurre de noche y se ilumina mediante un foco de luz artificial que emana de un farol situado entre los dos grupos de personajes. Pero la luz no los enfoca por igual: ilumina con mayor claridad al grupo de los españoles, mientras deja casi en la penumbra al de los franceses.
  • La línea: Los contornos están perfilados en negro en algunos casos. En otros, el dibujo casi desaparece. Cuerpos y rostros están deformados con una técnica expresionista.
  • El volumen: Aunque la preocupación por la profundidad no es la principal del artista, se consigue cierta profundidad con escorzos, como el del hombre que yace con los brazos extendidos, juegos de luces y sombras y fondos oscuros.

3. Análisis estilístico (análisis iconográfico y sociológico):

  • Clasificación de la obra en el estilo al que pertenece identificando los rasgos que refleja del mismo. Identificación de su autor. Debido la gran variedad de estilos y tendencias que atravesó Goya a lo largo de su vida, resulta difícil clasificar esta obra en un estilo determinado.  En buena parte Goya se muestra aquí precursor del romanticismo por su visión subjetiva de la realidad, la representación de temas cargados de sentimientos, el ideal de la libertad. Es en buena medida un triunfo del color, de los sentimientos, de la libertad e imaginación del artista.
  • Función de la obra : La tesis sostenida por la mayor parte de los críticos es que la obra pertenecía a una serie formada por cuatro pinturas más y de las cuales sólo conservamos dos: el Dos de mayo y el Tres de mayo. Probablemente  se exhibieron al aire libre con motivo del retorno de Fernando VII y luego se almacenaron por largo tiempo. Se sabe que hacia 1850, se guardaban en el Museo del Prado, pero no se exhibían.  Fue décadas después, con el auge del Romanticismo y el Impresionismo, cuando estas pinturas cobraron fama mundial.
  • Análisis iconográfico   Identificación y descripción del tema, originalidad, relación con otros ejemplos importantes. El modo de componer la escena determina las características de los dos grupos protagonistas: por un lado los ejecutados, ofreciendo su cara al espectador y al grupo de los verdugos, rostros vulgares, atemorizados y desesperados, en toda una galería de retratos del miedo que Goya nos ofrece. Cada uno se recoge en una postura diferente, según sea su actitud ante la muerte: está el que se tapa el rostro porque no puede soportarlo o el que abre sus brazos en cruz ofreciendo su pecho a las balas. Este personaje, en concreto, es un elemento terriblemente dramático, puesto que mira directamente a los soldados y su camisa blanca atrae el foco de luz de la lámpara que se sitúa a su lado, como una llamada de atención a la muerte que se acerca. A sus pies, los cuerpos de los ajusticiados anteriormente caen en desorden. Detrás, los otros sentenciados aguardan su turno para ser fusilados. El otro grupo, paralelo al anterior, lo conforman los soldados franceses que van a ejecutar a los patriotas. Los soldados están de espaldas al espectador, que no puede ver sus rostros, puesto que no tienen importancia: son verdugos anónimos, ejecutando una orden, como una auténtica máquina de matar. Todos los personajes se encuentran en un exterior nocturno, indefinido, pero que históricamente se sabe fue la montaña de Príncipe Pío, donde según las crónicas se pasó por las armas a los sublevados de la jornada anterior.  Diversos estudiosos proponen en sus obras como fuente de inspiración de Goya para esta obra, distintos grabados de la época, como es el de La matanza de Boston, de donde Goya pudo recoger la tradición de la imagen del pelotón de fusilamiento.
  • Análisis iconológico .  Interpretación de su contenido ideológico, simbólico, psicológico. Goya pretende subrayar la barbarie de la guerra y la tiranía moderna. Concretamente, el dolor sufrido en España cuando las tropas francesas invadieron el país. Si algún personaje merece la pena destacarse es el hombre que increpa a los soldados, muere sin ocultar su rostro, heroico y con dignidad, no se calla, no tiene miedo a morir por aquello que cree justo, por sus ideales. Muchos autores han establecido una personificación de este personaje con la figura de Cristo, por lo que no resulta extraño, el que en sus manos encontremos, al igual que en las manos de Cristo, los estigmas de la Pasión: es el reflejo de la muerte de otro inocente en manos de la barbarie, de la sin razón, lo que vendría también a explicar el color blanco de su camisa, ya que el blanco es el color de la inocencia

 

  • La obra, reflejo de la época. Circunstancias históricas en que se realizó. Circunstancias concretas de su realización (papel de los mecenas). Mensaje que se quiere transmitir. Goya pinta esta obra en 1814, cuando la Guerra de Independencia acaba de concluir. Como es sabido, el artista fue acusado de afrancesado por haber mantenido su posición de pintor de cámara durante el periodo de reinado de José I Bonaparte. Por ello el autor realiza los cuadros del 2 y 3 de mayo de 1808; quiere dejar bien claros su oposición a la invasión francesa y su patriotismo, justo en el momento en que da comienzo el reinado de Fernando VII. Ese mismo año, este rey declaró abolida la obra de las Cortes de Cádiz y retornó a los principios absolutistas que habían caracterizado a la monarquía española hasta 1808. Por todo ello, hemos de considerar este cuadro como uno de los mejores documentos visuales para la compresión de lo que supuso en España el largo y complejo periodo de transición del Antiguo al Nuevo Régimen.
  • Aportación de la obra al arte de su tiempo o al arte universal. Influencias posteriores. Esta obra no pasó sin pena ni gloria a la Historia del Arte, ya que no sólo simbolizó para muchos el coraje y la lucha del español ante las incursiones ajenas, también supuso un importante manantial de inspiración para pintores de la talla de Manet, con su Fusilamiento del emperador de México, o El fusilamiento de Corea de Picasso (1950), donde se evidencia la influencia de Goya

Rafael Moneo, Premio Príncipe de Asturias de las Artes

Rafael Moneo ha sido galardonado con el premio Príncipe de Asturias de las Artes 2012. El jurado del galardón ha hecho público el fallo en Oviedo, decantándose por el arquitecto español entre las 39 candidaturas procedentes de 25 países.

En el acta del fallo, el jurado señala que la obra de Moneo “enriquece los espacios urbanos” y le define además como “arquitecto español de dimensión universal”. “Maestro reconocido de ámbito académico y profesional, Moneo deja una huella propia en cada una de sus creaciones, al tiempo que conjuga estética con funcionalidad, especialmente en los interiores diáfanos que sirven de marco impecable a las grandes obras de la cultura y del espíritu”, concluye el jurado.

Moneo es uno de los representantes más destacados de la arquitectura española contemporánea. Nació en Tudela (Navarra) y estudio en la escuela de Madrid ETSAM, donde obtuvo el título de arquitecto en 1961. Entre 1958 y 1961 trabajó con el arquitecto Sainz de Oiza y, máas tarde, entre 1961 y 1962, con Jorn Utzon en Dinamarca.

Ha desarrollado una intensa labor docente y es autor de obras  de reconocido prestigio internacional, entre las que destacan las siguientes: la ampliación del Museo del Prado, la estación de Atocha, el ayuntamiento de Logroño, el museo de arte romano de Mérida, el auditorio del Kursaal en San Sebastián, la catedral de Los Ángeles, en California o las bodegas Chivite en el Señorío de Arínzano en Navarra, entre otras.

Es uno de los arquitectos más queridos y respetados y en 1996 obtuvo el premio Pritzker de Arquitectura, considerado el “Nobel de la arquitectura”. Galardón que suma a otros muchos premios: premio Nacional de Arquitectura, premio Mies van der Rohe, Medalla de Oro del Royal Institute of British Architects, etc.